Il mio primo incontro con l’arte è avvenuto a Roma quando da piccola accompagnavo il papà e la sera mi portava al Caffè Rosati ove collezionavo storie affascinanti di pittori quasi rivoluzionari, soprattutto di Schifano. Una delle prime opere che ho comprato è stato ovviamente un enorme quadro di Schifano.  Tuttavia sono due gli incontri indimenticabili.

Nel 2010 sono entrata a Villa Borghese per vedere la mostra di Bacon e Caravaggio esposti insieme. Per me, che venivo dal mondo dell’astratto e delle performance newyorchesi, è stato un punto di rottura, un incontro con emozioni che non sapevo di poter provare.

Certo, amavo Bacon e apprezzavo Caravaggio ma vederli insieme, vedere quelle enormi tele a confronto in un luogo come Villa Borghese, ha provocato un elettroshock che non potrò mai dimenticare. E’ stato per me come essere all’improvviso senza pelle, senza difese e sono stata catapultata in un vortice di emozioni indescrivibili.

Nel 2015 poi al MoMa ho incontrato Marina Abramović pochi giorni prima dell’inaugurazione della performance The Artist is present. Lei, di fronte alla mia tristezza per non poter rimanere a New York sino a quella data, senza conoscermi, mi ha invitata ad una preview. Ho atteso tutto il giorno e sono stata l’ultima persona a riuscire a sedersi prima della chiusura. Durante quei minuti ho percepito nettamente l’importanza di recuperare la dimensione più intima dell’essere umano, la capacità di poter vivere del hic et nunc.

Penso che l’arte abbia il potere di collegarci con il nostro io più profondo, qualunque esso sia, e di farci raggiungere mete sconosciute. In fondo in suo nome sono state fatte follie sia da parte di popoli che di individui. Ciò che accade in questi giorni è ovviamente non solo triste ma tragico e all’inizio mi sono sentita smarrita, un po’ come durante la mostra di Villa Borghese. Tuttavia se c’è stata una cosa che ha reso tollerabile, o addirittura apprezzabile, questo periodo è sicuramente la possibilità di vedere molta arte, di vederla con mio figlio. Ancora una volta di più mi sono convinta che il nostro mondo ha bisogno non solo di conquiste economiche e tecnologiche ma di poeti e di artisti per non perdere mai il senso di noi stessi. C’è un’immagine che mostro sempre ai miei colleghi in apertura dei convegni che amo intitolare “Arte e Diritto, Arte e Fisco: tra Sacro e Profano”, è l’espressione di due visi senza tempo colta da due persone che hanno vissuto a distanza di quattrocento anni l’una dall’altra. Il potere narrativo assoluto forse, ma forse, è il potere dell’arte.

La mia prima volta davanti ad un’opera d’arte è stata anche la mia prima volta di Giovanni Battista Cima, detto Cima da Conegliano. Ero in quinta elementare, dal piccolo paese di Pieve di Soligo dove vivevo, la maestra ci portò in gita al Duomo di Conegliano, distante pochi chilometri, dove cominciò a raccontarci la storia di quello che è stato uno dei maggiori esponenti della scuola veneta del XV secolo.
Il ricordo della bambina di dieci anni davanti alla Madonna in trono col Bambino fra angeli e santi – olio su tavola trasportato su tela, datato 1492 – è nitido. Fui rapita dallo sguardo della Madonna, dai colori, dalle pieghe delle vesti, dalla concretezza dei dettagli. Lo stupore fu tale che da lì in poi mi appassionai alla pittura del Rinascimento e chiesi in dono dei libri sui quali poterla ammirare.
Giovanni Battista Cima nacque a pochi passi dal Duomo e quando passammo davanti alla sua casa, oggi casa museo, la maestra ci emozionò raccontandoci che, dopo essersi trasferito a Venezia, veniva a passare le estati sui nostri colli. Il grande pittore viene ritenuto uno dei geni della storia dell’arte e le sue opere sono custodite nelle maggiori gallerie del mondo.

La mia prima volta davanti ad una scultura è stata anche la mia prima volta di Antonio Canova. Avevo dodici anni e il professore di storia dell’arte della scuola media che frequentavo ci portò in gita a Possagno, a pochi chilometri da casa, in visita alla Gypsotheca, voluta nel 1834 dal fratellastro dell’artista, che raccoglie i numerosi modelli in gesso, bozzetti in terracotta e marmi del celebre scultore che era nato nella casa accanto e dove tornava spesso dai suoi viaggi per trovare riposo.
La bellezza, la delicatezza, i volti del gesso di Amore e Psiche stanti mi lasciarono senza parole. La storia d’amore tra il dio Eros e la bellissima, ma terrena, Psiche è racchiusa in un battito d’ali. Quella farfalla, simbolo dell’anima che la fanciulla dona al suo amato e quelle mani che, con un gesto fragile, la accarezzano quasi a proteggerne la purezza, rimasero scolpite dentro di me tanto che, quando molti anni dopo ebbi la fortuna di vedere la stessa opera in marmo, fu un’emozione unica non solo per la sensibilità con cui Canova trattava questo materiale ma anche perché mi riportò agli occhi increduli di quella ragazza, poco più che bambina, davanti alla potenza espressiva e senza tempo di un grande artista.
Tale è stata la forza della scintilla scattata in me per le opere scultoree di Antonio Canova che, ogni volta che mi trovo di fronte ad una scultura, il mio sguardo è percorso da un’energia sottile, diversa. E da qui l’amore per il lavoro di un altro grande artista.

La mia prima volta oltreoceano, a New York, è stata anche la mia prima volta di Constantin Brancusi. Quando ho visto La musa addormentata mi sono immobilizzata, rapita dalle forme, dall’energia materica e al tempo stesso spirituale. L’opera in bronzo realizzata dall’artista nel 1910, raffigura un volto di Musa dove le strie dei capelli sono patinate in contrasto con la levigatezza del volto, gli occhi sono chiusi e la bocca è socchiusa in una fessura asimmetrica. La testa reclinata della musa addormentata, con quelle sue forme pulite, essenziali, in un primitivo ideale di bellezza, è stata per me un colpo di fulmine.

«La semplicità non è un obiettivo nell’arte – ha dichiarato Brancusi – ma si raggiunge anche senza volerlo penetrando nel vero senso delle cose».

Ecco, nel rapporto fisico con la scultura, con la materia lavorata e plasmata dall’artista, io mi sento di poter penetrare l’essenza.

Sorge spontaneo chiedersi, di fronte a questo quadro intitolato Giocatori di calcio di Henri Rousseau, perché l’uomo al centro dell’opera stia tenendo in mano la palla.
È forse scontato che si tratti di rugby? La palla potrebbe essere ovale e il secondo giocatore con la tuta a righe rosa e blu sembra sbracciarsi per riceverla, mentre il giocatore a sinistra, in rosso e giallo, sembra aver perso la sua occasione di afferrare e atterrare l’avversario con la palla in mano. O forse sta facendo quello che spesso fanno i giocatori di calcio, ovvero lo sta strattonando per la maglia? O forse c’è un’altra spiegazione.

Nell’eccentrico mondo naïve immaginato da questo primitif, le regole non esistono, tutto è possibile e questo è semplicemente come Rousseau ha immaginato lo sport del calcio.
Solamente lo sguardo lucido di Cornelia Lauf, autrice della scheda dell’opera che compare sul sito del Guggenheim Museum di New York, dove il quadro è conservato, ha riconosciuto nell’uomo in pigiama, così lo definisce la Lauf, un giocatore di rugby.
Dunque, perché l’opera non è stata intitolata I giocatori di rugby? Come ha osservato lo studioso americano Roger Shattuck in “The Banquet Years”, l’assenza di qualsiasi tipo di nozione di movimento in questo incantevole dipinto è data dalla mancanza di ombre.
Nonostante il cielo sia limpido, i protagonisti non proiettano alcuna ombra. Shattuck sottolinea inoltre, ironicamente, come i due giocatori in giallo abbiano i capelli biondi, mentre quelli in blu i capelli scuri, tutti hanno i baffi, ma i colori delle calze sono alternati.

Sebbene conosciuto come le douanier, Rousseau non era un doganiere, ma piuttosto un gabelou, un gabelliere, dal 1869 al 1895, non all’epoca in cui dipinse i Giocatori di calcio, verso la fine dei suoi anni, ma prima di diventare un pittore a tempo pieno. Era un uomo semplice, di bell’aspetto, amava le donne, un uomo corretto che non aveva mai commesso crimini. Un sofisticato naïf, un suonatore di violino, che avrebbe chiesto l’elemosina in strada per alleviare la propria povertà.
Nacque nel nord-est della Francia, nella stessa cittadina di Alfred Jarry, con cui divenne poi amico a Parigi. Guillaume Apollinaire lo ammirava e tesseva miti sulla sua vita, che andò in Messico con le truppe inviate da Napoleone III, che vide in Sud America quelle giungle che poi rappresentò nei suoi quadri, e che da soldato salvò da solo la città di Dreux durante la guerra franco-prussiana del 1871.
Una cena data in suo onore da Picasso nel 1908, l’anno di questo dipinto, è diventata un episodio ormai leggendario di quel periodo precedente la prima guerra mondiale quando Parigi era la culla dell’avanguardia pittorica del tempo.
Esponeva regolarmente nei saloni pubblici, e nonostante i suoi dipinti venissero spesso derisi, la sua Zingara addormentataè oggi uno dei quadri più ammirati del Museum of Modern Art di New York.
Ma perché era così ammirato? Perché Apollinaire, Jarry, Picasso, Braque, Jacob, Uhde, Delaunay, Vlaminck, Brancusi e più tardi anche Léger, Kandinsky e Beckmann vedevano l’opera di questo pittore della domenica tanto moderna? Sebbene abbia provato a dare una risposta a questo quesito, trovo difficilissimo farlo con quella stessa chiarezza, semplicità e sicurezza utilizzate da Rousseau nei suoi quadri e senza l’aiuto del gergo critico artistico.

È tanto difficile rispondere a questo quesito quanto è difficile essere sicuri di quale sia lo sport rappresentato nell’opera dell’artista francese.

In questi drammatici giorni legati all’emergenza pandemica, il mondo intero è accomunato da un drammatico senso di paura come non accadeva dai tempi della seconda guerra mondiale. Anche allora, proprio come noi in questo periodo particolare, le persone coinvolte si ripromettevano di costruire un “mondo nuovo” alla fine dell’emergenza, un mondo migliore fatto di civiltà , di progresso e di fratellanza tra i popoli.Ebbene, nel 1960 questo si tradusse in realtà: il mondo si unì davvero sotto questi auspici, lasciando alla posterità una sorta di fiaba moderna, tutta da raccontare.

Questa vicenda comincia circa alla metà degli anni Cinquanta del secolo scorso ed è ambientata in Egitto, nazione che nell’arco di un centinaio di anni aveva quintuplicato la propria popolazione ma non riusciva a produrre abbastanza risorse per sfamarla.Di fronte a questa emergenza umanitaria la FAO, l’organizzazione delle Nazioni Unite per l’agricoltura e l’alimentazione, suggerì al governo egiziano di costruire una nuova diga sul Nilo per migliorare le condizioni di vita della popolazione. L’acqua prodotta dalla nuova diga infatti, avrebbe combattuto la siccità, promosso le coltivazioni e prodotto l’energia elettrica necessaria ad avviare l’industrializzazione del paese.

L’allagamento avrebbe creato un vero e proprio bacino, poi chiamato  lago Nasser, a coprire un’area di oltre 5000 chilometri quadrati nella regione della Nubia, innalzando il livello del Nilo di circa 60 metri. La soluzione proposta dalla FAO si rivelò adeguata alle necessità della popolazione egiziana, ma al contempo comportava la drammatica scomparsa di ben 24 monumenti, oltre a tutto quanto sepolto dalla sabbia e non ancora scoperto, che giacevano lungo il Nilo nell’area nubiana oggetto dell’allagamento.Le testimonianze dell’antica civiltà egizia sarebbero state sommerse per sempre, in cambio della salvezza della popolazione.

Una scelta impietosa che sia il governo dell’Egitto che quello del Sudan (i due stati su cui si estende la regione nubiana) non sapevano e non volevano affrontare nella sua drammaticità: fu così che decisero di rivolgersi all’UNESCO, l’Organizzazione delle Nazioni Unite per l’educazione, la scienza e la cultura, alla disperata ricerca di soluzioni tecniche (ed economiche) di salvataggio dei monumenti storici dall’allagamento.

Nel gennaio del 1960 iniziò la costruzione della grande diga di Assuan (chiamata in arabo l’Alta Diga) e l’8 marzo dello stesso anno l’allora Direttore Generale dell’UNESCO, il vicentino Vittorino Veronese, lanciò dalla sede di Parigi un accorato appello, il primo della storia, a TUTTE le nazioni del mondo, invitandole a mettere a disposizione uomini, conoscenze e mezzi per salvare le testimonianze di un’antica civiltà.

Ecco le parole scelte da Veronese in questa storica occasione:

«Meravigliose strutture, considerate tra le più stupefacenti della terra, sono in pericolo di scomparire sotto le acque. La diga porterà fertilità a grandi estensioni di deserto; ma l’apertura di nuovi campi ai trattori, la previsione di nuova energia per future industrie, comporta il pagamento di un altissimo prezzo. (…) Non è facile scegliere tra il patrimonio del passato e il benessere presente di un popolo (…) non è facile scegliere tra templi e raccolto. (…) Questi monumenti, la cui perdita potrebbe essere tragicamente vicina, non appartengono solamente ai paesi che li custodiscono. Il mondo intero ha il diritto di vederli durare nel tempo. Essi sono parte di un comune patrimonio che comprende il pensiero di Socrate e gli affreschi di Ajanta, le mura di Uxmal e le sinfonie di Beethoven. Tesori di valore universale sono chiamati alla protezione universale. Quando una cosa bella, il cui valore aumenta anziché diminuire quando viene condivisa, è perduta, allora tutti noi siamo ugualmente perduti.(…)».

Una causa così nobile non merita niente di meno che una generosa risposta. É quindi con grande fiducia che invito governi, istituzioni, fondazioni pubbliche e private e  uomini di buona volontà, ovunque si trovino, a contribuire al successo di questa impresa senza eguali nella storia. Abbiamo bisogno di competenze, mezzi e denaro. Sono infiniti i modi in cui tutti possiamo aiutare.

La risposta all’appello dell’UNESCO fu una sorta di miracolo: furono 122 le nazioni che aderirono all’impresa, il sostegno giunse da istituzioni pubbliche e private ma anche da semplici cittadini, studenti, insegnanti da ogni parte del mondo; perfino i bambini organizzarono delle collette per aiutare. I mezzi di comunicazione internazionali, radio, televisione e stampa, si unirono spontaneamente per contribuire al successo della campagna.Erano trascorsi appena 15 anni dalla fine del secondo conflitto mondiale, una carneficina che non aveva risparmiato neanche il patrimonio storico artistico delle nazioni, in gran parte colpito dai bombardamenti.

John Fitzgerald Kennedy, all’epoca Presidente degli Stati Uniti, così rispose all’appello:

«Gli Stati Uniti, una delle civiltà più giovani, hanno molto rispetto per lo studio di culture passate e interesse per la conservazione di uno dei più grandi traguardi dell’arte e del pensiero. Raccomando quindi che ora ci uniamo anche noi alle altre nazioni attraverso l’UNESCO nel prevenire quello che altrimenti sarebbe un’ irreparabile perdita per la scienza e la storia culturale dell’umanità tutta».

Da tutto il mondo partirono alla volta della Nubia 30 spedizioni archeologiche (per l’Italia le Università di Torino, Milano e Roma) per compiere nuovi scavi e per documentare i monumenti destinati all’allagamento. L’UNESCO inviò l’architetto italiano Piero Gazzola, già Soprintendente del Veneto Occidentale ed esperto in restauro dei monumenti, a compiere la ricognizione di tutti e 24 i templi lungo il Nilo e di studiarne le possibili tecniche di salvataggio. Tranne tre piccoli templi che andarono perduti, la campagna di Nubia salvò, nell’arco di vent’anni,  le straordinarie testimonianze dell’antica civiltà egizia lungo il Nilo, dai templi di Philae fino allo splendore di Abu Simbel (al cui salvataggio ebbe un ruolo determinante l’impresa di costruzioni italiana IMPREGILO) e i risultati  degli scavi archeologici accrebbero enormemente le nostre conoscenze scientifiche dando un grandissimo impulso all’Egittologia.

Nel 1979 “I monumenti della Nubia da Abu Simbel a Philae” sono stati riconosciuti dall’UNESCO come un “museo a cielo aperto” e dichiarati Patrimonio Mondiale dell’Umanità. Nelle sue raccomandazioni ICOMOS, il Consiglio Internazionale dei Monumenti e dei Siti UNESCO, dichiarò:  

«Il successo della campagna che fu lanciata al mondo attraverso l’Unesco, basterebbe da sola a provare (se ce ne fosse bisogno) che questi monumenti sono “di fatto” percepiti come patrimonio dell’umanità intera».

Questa grande impresa ha davvero cambiato il mondo,dimostrando l’importanza della solidarietà tra le Nazioni e il vantaggio di una responsabilità condivisa nella conservazione del patrimonio universale. Oggi, anche noi dovremo essere protagonisti di una “grande impresa” e anche noi potremo farlo attraverso il patrimonio mondiale che comprende, come da Convenzione UNESCO del 1972, anche il patrimonio naturale. Temi quali la solidarietà tra le Nazioni e la responsabilità condivisa ora vanno applicati alla conservazione del nostro pianeta, del nostro meraviglioso patrimonio mondiale naturale, delle sue limitate risorse, del suo fragile equilibrio.

Tocca a noi, questa volta, scrivere una nuova fiaba moderna che le future generazioni potranno, con gratitudine, ancora raccontare.

Vorrei raccontarvi la storia di un incontro, di una mostra e di un’opera a cui sono particolarmente legato, che ha segnato l’inizio di una bella amicizia e insegnato il valore di un artista. Erano i primi giorni di novembre 2015, e per il secondo anno consecutivo avevo la fortuna di essere ospitato a New York da Andrea Mastrovito, artista tra i più generosi che abbia conosciuto. Una settimana dedicata a frequentare gli studi d’artista che mi venivano segnalati da curatori di musei, galleristi o che avevo già concordato in precedenza.

Tra gli artisti che avrei voluto incontrare c’era Rashid Johnson, di cui era in corso una mostra personale al Drawing Center. Purtroppo era stato molto difficile nei mesi precedenti mettersi in contatto con lui a causa dei diversi impegni che lo attendevano, tra cui una ampia mostra a Mosca, nel noto museo “Garage Museum of Contemporary Art” che si sarebbe aperta nel marzo 2016, quindi a pochi mesi di distanza. Poco prima di partire per New York, alla GAMeC di Bergamo, museo presso cui lavoravo come curatore da alcuni anni grazie a Giacinto di Pietrantonio, si era aperta la possibilità di realizzare una mostra nello Spazio Zero e così è nata l’improbabile idea di chiedere a Rashid di organizzare una mostra in pochi mesi.

Mando l’ennesima mail il 28 ottobre e Alex Ernst, la bravissima assistente di Rashid mi conferma l’appuntamento per mercoledì 4 novembre 2015 alle ore 15.00 al Drawing Center. Durante l’attesa ero molto ansioso, forse perché la mostra presentava una serie bellissima di disegni della ormai celebre serie Untitled Anxious Men. La gestualità di Untitled Anxious Men è talmente evidente e ossessiva da far pensare a un raptus, un accanimento, una danza performativa che l’artista compie facendo emergere il dipinto nello spazio del suo studio. Ricordo bene il grande sorriso e saluto che Rashid fece all’addetta del museo quando entrò, stemperò subito la tensione che mi ero creato. Iniziammo a chiacchierare come se ci conoscessimo da tempo, delle sue opere, della sua famiglia, del suo amore per la poesia.

Dal Drawing Center al bancone di un bar, dove lui prese un the caldo e io un’acqua frizzante. Proposi senza troppi preamboli l’idea di fare una mostra insieme. “Sure, When?” rispose lui, “ February” feci io. “Good, we have more than one year to work on it” pensò e disse Rashid. Quando gli dissi che non sarebbe stata dopo quindici mesi ma dopo tre ebbe un piccolo sussulto, probabilmente stava pensando che ero matto a chiedergli una cosa del genere. Mi feci forza e provai a spiegargli perché avrebbe avuto senso fare quella mostra, di come vedevo il suo lavoro e che si, la mostra a Garage dopo poche settimane sarebbe stata bella ma sicuramente ci saremmo divertiti a fare la nostra insieme. Ricordo ancora che chiese di vedere la pianta dello spazio, che fortunatamente porto sempre con me, gli raccontai la storia della GAMeC e dello spazio – un ex monastero -, costruimmo la struttura della mostra in poco tempo e poi chiamò la sua galleria dicendo che voleva fare questo progetto.

Tra gli elementi che si ritrovano spesso nelle mostre di Rashid, un posto rilevante è riservato a varie tipologie di piante. L’utilizzo di questo “materiale” è particolarmente interessante in quanto non ha alcuna funzione decorativa e si allontana dalle forme e dai gesti di tutta la sua produzione. L’utilizzo delle piante rientra in quella pratica che l’artista stesso definisce “Hijacking of Domestic”, la quale può essere definita come: “memorializzazione del processo di appropriazione e ri-trasposizione dello spazio domestico”. Le piante sono elementi visivi che favoriscono la sensazione di venire accolti in un ambiente ospitale, mantenendo saldo il legame tra lo spazio esterno e l’immaginario famigliare. L’appropriazione e il dirottamento dei codici risultano così elementi funzionali al processo di metabolizzazione e amalgama di elementi antitetici quali interno e domestico, esterno e pubblico. Inoltre ciò che rende le piante così speciali è il fatto che respirino. La respirazione è l’elemento maggiormente vitale, nel senso letterale del termine, e probabilmente anche l’emanazione fisica più diretta dell’artista. Non un autoritratto ma proprio un sistema vivente che si impadronisce dello spazio e lo colonizza. Per questo motivo a Fatherhood è stato riservato il posto centrale all’interno della mostra.

La scultura è composta da una griglia tridimensionale di cubi d’acciaio di diversa grandezza. Le forme, svuotate, sono poste l’una sopra l’altra in modo da creare una gabbia, un’installazione totemica che richiama le strutture minimali di Sol LeWitt e le composizioni modulari di Carl Andre. Intesa come un organismo vivente, o una forma di psiche delocalizzata, la scultura straborda di piante domestiche e lampade per la coltivazione che ne favoriscono la sopravvivenza. Il respiro delle piante è il rumore di fondo dell’Universo di Rashid Johnson. Al curatore della mostra, che soffre di vertigini, è stato chiesto all’artista di prendersene cura e non c’è stato nulla di più bello che respirare solitario in quello spazio.

Il primo incontro che ho avuto con un’opera che ha tracciato un solco lungo il mio cammino nel mondo dell’arte fu a Bagheria nel 1999 visitando una mostra di Salvatore Scarpitta presso la Civica Galleria. In quegli anni frequentavo l’Università a Pisa sotto gli insegnamenti di un grande maestro, il professore Fabrizio D’Amico; stavamo studiando l’arte a Roma nel dopoguerra e dunque avevo già conosciuto, se ben in maniera ancora superficiale, il lavoro di Salvatore Scarpitta. Nel percorso di Bagheria m’imbattei in una tela dal titolo ‘Sul limite e oltre’, datata 1956; per me fu folgorante vedere dal vero un passaggio concreto dalla pittura alla lenta ed inesorabile fuoriuscita dalla tela stessa, una leggera estroflessione sembrava condurre alle tensioni che di lì a poco arriveranno nell’arte di Salvatore con la serie degli ‘Extramural’ e i ‘Senza titolo’ a partire dal 1958.

Nel 2005 ebbi modo d’incontrare Salvatore a Milano, mi ricordo il suo sguardo fiero e penetrante, la sua voce ferma e la sua gestualità da capo indiano. Parlammo di molte cose, mi ricordo in merito alla serie dei ‘Feral Runners’ e da come nacque l’idea di realizzarli, la relazione tra l’aggressività umana comparata a quella animale e il ritorno all’uso pittorico con l’utilizzo di bitumi e smalti. Ci soffermammo sulla sua grande passione per le auto e la velocità, era un incanto ascoltarlo, i suoi schizzi giovanili nella riproduzione di quei primi bolidi luccicanti, la sequenza di omaggi ai suoi eroi moderni della velocità: da Ernie Triplett a Harry Hartz da Frank Lockhart a Rajo Jack.

Questa passione portata all’estremo nelle sporche piste di sperdute contee americane dove un unico errore fatale poteva portare alla morte, la tensione e la forza di vita trasparivano ancora dagli occhi del gigante Sal. Proprio quest’anno abbiamo avuto il piacere di ospitare alcune opere di Salvatore Scarpitta presso gli spazi della Galleria Continua a San Gimignano. Per me è stata una grande soddisfazione vedere in dialogo Salvatore con le sculture di un’artista di fama internazionale quale Berlinde De Bruyckere ed una serie di opere d’arte antica all’interno del programma intitolato ‘Evergreen’. L’artista invitata a prendere parte alla prima edizione di Evergreen è Berlinde De Bruyckere. Grazie alla collaborazione con le gallerie Bacarelli-Botticelli, Robilant Voena e Montrasio Arte, le sculture dell’artista belga incontrano nelle sale di Galleria Continua i dipinti di Francesco Botti (Firenze, 1645 – 1711), Piero Dandini (Firenze, 1646 – 1712), Johann Karl Loth (Monaco di Baviera, 1632 – Venezia, 1698), Onorio Marinari (Firenze, 1627-1716), Giuseppe Petrini (Carona, 1677 – 1755/9) e un corpo di opere degli anni Sessanta dell’artista Salvatore Scarpitta (New York, 1919 – 2007).

Se devo provare ad individuare qualcosa che abbia segnato la mia vita e il futuro nel settore dove poi ho lavorato e continuo a lavorare da 20 anni e più, mi viene in mente un viaggio che ho fatto con mio padre, alla fine degli anni ’90. Al tempo ero uno studente, non di Arte o di discipline affini ma semplicemente di comunicazione a Siena, un indirizzo che in quel periodo andava molto di moda. Allora non sapevo bene come indirizzare questo concetto nella comunicazione, tuttavia quel viaggio in Belgio fu determinante. Partimmo in treno, percorrendo le città più belle, come Bruges, Gand con l’obiettivo di andare a vedere una mostra importante su Antoon Van Dyck ad Anversa, sua città natale, dove si celebravano i 400 anni dalla nascita del grande pittore. Il viaggio durò circa una settimana. Visitando un museo al giorno, ne approfittai per guardare le esposizioni non soltanto dal punto di vista culturale, ma anche comunicativo. Iniziai ad osservare le didascalie, la grafica delle locandine, la presentazione, la presentazione dei primissimi siti web.

Tornato in Italia, iniziai a scrivere qualcosa su questo mondo e su questi contenuti che avevo avuto modo di approfondire. Non scrivevo ancora per testate giornalistiche specifiche sul mondo dell’arte, sebbene avessi iniziato a collaborare con alcuni giornali culturali locali della città di Siena. Da quel momento decisi che mi interessava approfondire quell’argomento dal punto di vista giornalistico. Quindi intrapresi diverse collaborazioni in giro, iniziai a scrivere, passando da un giornale ad un altro. La passione divenne nel tempo un lavoro a tutti gli effetti. Per anni è stata un’attività fatta per piacere e per passione che si è poi strutturata e trasformata in un lavoro, fino ad oggi. Pensiamo che era il 1999, un altro millennio. Sono passati 21 anni. Se mi chiedeste di indicare il punto in cui ho trovato la chiave per fare tutto quello che ho fatto successivamente, probabilmente il punto è quello. Un viaggio, una visita insistente ad alcuni musei, fatta ed approcciata nel momento preciso in cui quel tipo di tematiche si sposava bene con quello che stavo studiando quando ero all’università.

Tornando a quel 1999, guardandolo dal 2020, confinati nella clausura di questo periodo, quando paradossalmente non si può viaggiare, ci si rende conto che gli stimoli vanno trovati in altra maniera senza spostarsi. Per me è sempre stato fondamentale, per qualsiasi tipo di idea abbia avuto o innovazione che abbia provato ad attuare. Sempre cruciale il tema del viaggio e il fatto di essere decontestualizzati rispetto ad una realtà stabile. In questa settimana tutto ciò va trovato in maniera molto più virtualizzata per quanto possibile.