A Napoli, l’arte contemporanea viaggia in metropolitana all’interno e subito fuori dalle sue fermate. Tipiche zone di passaggio, sono oggi luoghi per vivere e “assaporare” l’arte contemporanea in ogni momento della giornata.
Le Stazioni dell’Arte sono un vero e proprio museo decentrato, uno stupefacente progetto urbanistico promosso dall’amministrazione comunale che rende i luoghi della mobilità unici ed artistici. Un’esperienza culturale che vale di più del prezzo di una corsa, e tocca 15 fermate, ognuna curata nei minimi dettagli da architetti e artisti di fama internazionale.
L’itinerario completo permette di ammirare circa duecento opere di grandi artisti tra Arte Povera e Concettuale fino ai nostri giorni. La più nota è quella di Toledo, inaugurata nel 2012 e nominata dal quotidiano britannico Daily Telegraph come la stazione più suggestiva tra 22 stazioni di grandi metropolitane europee.

Ciò che affascina di questo spettacolare progetto architettonico, che porta la firma dell’architetto catalano Oscar Tusquets Blanca, è la sua superficie musiva con tessere Bisazza.
Un’atmosfera marina ricreata nelle sue diverse sfaccettature, dal nero della terra, all’ocra del tufo e della pietra fino al celeste della falda e all’azzurro del mare.
Una spettacolare discesa negli “abissi” della stazione all’interno del grande “Crater de luz”, che attraversa tutti i livelli della stazione corredato da luci a led azzurre che si mescolano alla luce filtrata dall’esterno.
Ad accompagnare i passanti lungo le scale mobili lettere in argento specchiante su grandi pannelli neri realizzate da Lawrence Weiner, che ha fatto del significato etimologico il suo mezzo di espressione. Weiner è tra gli artisti che negli anni ’70 ha sancito il predominio dell’idea” e del “concetto” rispetto alla realizzazione dell’opera stessa che trova la sua interpretazione esclusivamente attraverso l’osservatore.
La frase epigrammatica che si legge è “Molten copper poured on the rim of the bay of Naples. / Rame fuso colato sulle rive del golfo di Napoli.”

Come non citare la fermata Dante di Gae Aulenti con l’installazione di Joseph Kosuth, uno dei pionieri dell’Arte Concettuale e installativa che dagli ’60 si dedica alla realizzazione di opere sull’uso del linguaggio come definizione dell’oggetto artistico. Qui, una citazione sulla percezione visiva tratta dal Convivio di Dante Alighieri riprodotta con tubi al neon.
Sempre all’interno della fermata Dante, troviamo le opere dei grandi artisti dell’Arte Povera. Tra queste un’installazione di Jannis Kounellis, strisce di ferro simili a binari sono fissate ad una parete in cui sono incastrati un soprabito, un cappello, dei trenini giocattoli e tante paia di scarpe.
Molti lo conoscono per i suoi specchi, capaci di trasformare in creatore il mero fruitore dell’opera d’arte, invitandolo ad entrare nel processo creativo.  Qui, all’interno della fermata, frammenti di specchio di Michelangelo Pistoletto sono tenuti insieme da linee rosse e nere che richiamano il profilo del Mediterraneo. Per la metro Garibaldi Pistoletto realizza Stazione, una serie di pannelli in acciaio specchiante dove sono serigrafate immagini di viaggiatori e passanti a grandezza naturale.

Arriviamo alla stazione Vanvitelli. Al suo interno è possibile ammirare due delle ultime opere realizzate da Mario Merz e le stelle di Gilberto Zorio.
La grande spirale al neon azzurro installata sulla volta da Merz. Si tratta della rappresentazione geometrica della serie di Fibonacci che prosegue in un’altra installazione sul fondo della metro rappresentante animali preistorici. A seguire, le grandi stelle in acciaio realizzate da Zorio appese alle pareti del piano intermedio. La stella, immagine di energia e di tensioni contrastanti, ricorre spesso nell’estetica di Zorio, solitamente accompagnata dal giavellotto, oggetto che richiama le origini storiche dell’uomo e la sua capacità di manipolazione della natura.

Ultima fermata Materdei con le coloratissime pareti di Sol LeWitt, della serie Wall drawings, dipinti geometrici dalle accese cromie, realizzati sulle pareti nella ricerca di una totale integrazione tra arte e architettura. La stessa gamma di colori viene utilizzata per Splotches, un’installazione realizzata per il fondo del corridoio attraverso l’uso del software, sulla base di un set di istruzioni fornito dall’artista.

Il nostro percorso termina qui, ma l’itinerario artistico nel sottosuolo napoletano continua in numerosi altri luoghi da vivere e scoprire.

Lo straordinario progetto delle Stazioni dell’Arte rappresenta un importante processo di riqualificazione del tessuto urbano che ha saputo trasformare posti spogli in luoghi accattivanti, offrendo allo stesso tempo la possibilità di vivere l’arte attraverso un percorso espositivo aperto, per una fruizione nuova e dinamica dell’opera d’arte.

Per anni è stato un luogo popolato da ombre e fantasmi di un passato che l’ha trasformata da luogo di culto a lanificio, per poi lasciarla all’abbandono più totale. Parliamo della Chiesa Santa Caterina a Formiello a Napoli, sita nel cuore della città, raro esempio di rinascimento napoletano e di archeologia industriale.
Costruita a partire del 1515, nelle prossimità del Formale reale, l’acquedotto della città – da qui “a Formiello”, ossia “presso i canali – la Chiesa fu dimora di diversi ceti religiosi per poi divenire il Lanificio dell’epoca borbonica, in seguito soppressione dell’ordine dei domenicani voluta da Gioacchino Murat.

La trasformazioni in un monumento di archeologia industriale comportarono varie alterazioni della struttura originaria. Tra queste spicca l’imponente capriata lignea centrale, esempio virtuoso del “programma di industrializzazione” dell’epoca. L’intero complesso monumentale fallì dopo l’Unità d’Italia portando lo stabile a un lento e inarrestabile degrado. Gli spazi furono adattati ad ospitare una falegnameria e un saponificio prima, fino a divenire un vero e proprio deposito di rimesse per automobili.
Oggi l’edificio è di proprietà della Fondazione Made in Cloister, che acquisì lo stabile nel 2012, attraverso un’operazione culturale attuata per riqualificare l’area di Porta Capuana.
Quello che un tempo era uno dei luoghi più affascinanti e monumentali della Napoli religiosa si conserva oggi attraverso un attivo programma di eventi culturali di artisti internazionali e maestri artigiani napoletani.
Alla guida di questo coraggioso progetto Davide de Blasio e Rosa Alba Impronta, imprenditori illuminati che hanno saputo salvare dalla rovina un monumento storico, riportarlo agli antichi splendori e restituirlo alla comunità come spazio espositivo per l’arte contemporanea. Il recupero, in primo tempo architettonico, poi creativo e sociale, attuato da Made in Cloister è il tentativo di introdurre nel centro martoriato di Napoli uno spiraglio culturale per rilanciare le tradizioni artigianali, rinnovate in chiave contemporanea.

L’idea del “fare” e di “creare” è sempre stata presente in questo luogo.
E’ qui che nel ‘500 si coltivano le erbe per la farmacia della Chiesa, è negli spazi del chiostro che s’installa la fabbrica di lana e tessuti per l’esercito nell’800, ed è qui che oggi esistono residenze di sperimentazione artistica che spaziano dalla musica alla stampa 3D, dall’architettura all’inclusione sociale e all’arte.

Oltre alla valorizzazione e al recupero del fare artigianale attraverso collaborazioni e nuove committenze, la Fondazione Made in Cloister si pone tra gli obiettivi il recupero del tessuto urbano della zona di Porta Capuana, un’area ricca di storia e tradizioni che ad oggi risulta socialmente complessa. Da questo presupposto sono nate collaborazioni con l’Accademia di Belle Arti di Napoli e artisti internazionali nell’ottica di intercettare un pubblico più vasto e di puntare i riflettori su quest’area dimenticata.

Lo spazio espositivo fu inaugurato ufficialmente nel maggio 2016, con la personale di Laurie Anderson, The Withness of the Body. Da allora il Chiostro ospita progetti site-specific in grado di dialogare antico e contemporaneo, passato e presente, mettendo in mostra materiali e linguaggi espressivi frutto di quella contaminazione stilistica di cui la Fondazione Made in Cloister si fa promotrice.

Fino al 30 aprile, è possibile visitare la personale di Nicola Samorì Black Square, artista italiano noto per i suoi dipinti rinascimentali strappati ed erosi dal passare del tempo.
Per il Chiostro Samorì realizza Drummer, un’imponente scultura di 5 metri ricoperta di lapilli vulcanici appoggiata su una sorta di tappeto lavico composto da 1300 minisculture ispirate alle teste esposte al Museo Archeologico Nazionale di Napoli, il MANN. I riferimenti alla città partenopea sono visibili anche nel basamento della grande scultura che richiama un candelabro barocco di obelischi diffusi sul territorio napoletano.
La ricerca dei materiali utilizzati da Samorì permettono un chiaro dialogo tra antico e contemporaneo, attraverso un’arte che possa risalire alle origini attraverso una veste nuova e rigenerata.
L’arte di Samorì scava nel passato, nell’intimo umano, e lo fa attraverso una serie di dipinti che svelano la più intima e segreta anima di quella ferita lacerata della figura rappresentata.

Siamo in un periodo storico nel quale la società presta molta attenzione alle classifiche, di ogni genere. Dalle 10 spiagge più belle al mondo, ai 100 film più belli di tutti i tempi, ai primi 30 piatti che gli europei preferisco cucinare, e così via.
Anche il mondo dell’arte ha le sue classifiche, ma quella che ogni anno tutti i ‘potenti’ aspettano è la Power 100 di Art Review, rivista americana specializzata. Giunto alla sua diciottesima edizione, la classifica presenta le 100 figure più influenti nel mondo dell’arte contemporanea internazionale degli ultimi 12 mesi, secondo il giudizio di 30 artisti, curatori e critici a livello globale. Per il 2019 al primo posto troviamo Glenn D. Lowry, direttore del MoMA di New York, per aver rivoluzionato il modello del museo tradizionale. Pochissimi gli italiani, e tra questi i tre soci fondatori di Galleria Continua: Mario Cristiani, Maurizio Rigillo, Lorenzo Fiaschi. 

E’ un riconoscimento importante per un progetto nato con l’obiettivo di portare l’arte contemporanea fuori dai soliti circuiti, prima come associazione per poi diventare galleria di rilevanza internazionale.
E questa galleria nel 2020 compie 30 anni di vita. 

La peculiarità e la forza della “galleria” stanno nella identità legata al territorio, in maniera impegnata culturalmente e socialmente da un lato, ma allo stesso tempo sa stare sul mercato, e ci sa stare in maniera forte e internazionale.
Anche le scelte che riguardano le sedi espositive sono molto particolari, segnate spesso dal recupero di edifici pieni di storia e non in zone centrali.
La sede di San Gimignano è un’icona, in un ex cinema degli anni ’50 recuperato. Spazio e situazione simili a l’Havana, Cuba, dal 2015. Per Parigi la strategia ha portato alla riscoperta della campagna a Les Moulins de Sainte Marie, in uno spazio di ampie metrature in una ex cartiera. La sensibilità per il paesaggio comporta la scelta di sedi inusuali, insieme all’attenzione verso il tema della rigenerazione urbana. Con questo approccio anche lo sbarco in Cina nel 2004: la loro sede a Pechino di 1000 mq espositivi, con un soffitto alto 13 metri, è strategica, all’interno della Factory798, parte di un complesso di stabilimenti produttivi costruiti in stile Bauhaus da architetti della Germania dell’est nel 1950. Il cosiddetto ‘Dashanzi Art District’ (altro nome per la ex Factory 798) è diventato da anni un caso emblematico di recupero industriale a fini artistici, con studi d’artista, gallerie, editori, librerie, studi di grafici, bar, ristoranti.

Ed ora, ad inizio 2020, per festeggiare i 30 anni di attività, Galleria Continua ha scelto di aprire un altro spazio in Italia, ed ancora una volta è una scelta non convenzionale, in un’ala dell’albergo The St. Regis di Roma, molto particolare, sconosciuta agli ospiti: la Sala Diocleziano. Nel contempo annunciando la prossima apertura a San Paolo del Brasile, all’interno di uno stadio…
Una caratteristica distintiva di Galleria Continua è quella di muoversi all’interno di un sistema globalizzato, pur mantenendo un contatto diretto con il contesto locale, ed un alto valore di reputazione che ha costruito negli anni, lavorando con artisti contemporanei di altissima qualità, tra i quali Ai Weiwei, Anish Kapoor, Antony Gormley, Daniel Buren, Michelangelo Pistoletto, Loris Cecchini, Arcangelo Sassolino.

Ma come avvengono le scelte?
Lorenzo Fiaschi ha recentemente affermato: «Le nostre corde vibrano grazie alle persone, alle situazioni, ai luoghi in cui ci ‘imbattiamo’. I nostri progetti non nascono in funzione del mercato o del collezionismo. Quando troviamo una situazione con cui ci sentiamo in sintonia l’abbracciamo, ci buttiamo, anima e corpo. Ci lasciamo travolgere dalla passione, e i risultati, fortunatamente, arrivano di conseguenza».

Buon compleanno, Galleria Continua!

C’era una volta un panificio comunale nato per sfamare i cittadini bolognesi nel corso della Prima Guerra Mondiale. Siamo nel 1914 e Francesco Zanardi vince le elezioni comunali trovandosi presto ad affrontare la situazione economica della città, dove la maggior parte della popolazione vive alle soglie della povertà. E’ il 1 febbraio del 1917 quando il primo pane dello stabile viene sfornato. Ad un certo punto, arriva la guerra e l’edificio viene svuotato e parzialmente danneggiato. Gli anni passano e ciò che rimane dell’ex forno, viene adibito a diversi usi fino a non essere più utilizzato dall’amministrazione comunale e dato in affitto a diverse attività private.

Oggi di quel panificio storico rimane solo un lontano ricordo, e al suo posto sorge il MAMbo, Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Bologna, inaugurato il 5 maggio del 2007. 
Al tempo la GAM, la Galleria d’Arte Moderna della città, non poteva ospitare l’intera collezione d’Arte Moderna e Contemporanea, considerando le crescenti acquisizioni e donazioni avvenute nel corso degli anni che comportarono continui trasferimenti.
Fu pertanto indispensabile istituire un nuovo luogo di cultura che potesse diventare nel tempo un centro culturale volto alla sperimentazione e all’innovazione. 
All’interno di 10mila metri quadrati dell’ ex Forno del pane, l’architettura industriale e monumentale dello stabile ha permesso di creare una nuova e straordinaria struttura museale. Tracce della precedente configurazione del luogo sono ancora presenti all’interno degli spazi, quali la presenza di canne fumarie negli ambienti della collezione permanente del Museo, simbolo di memoria archeologica.

Oggi il patrimonio della collezione permanente del Museo si compone di 3.500 opere, raccogliendo lavori dell’arte emiliana del 900, parte della collezione morandiana, opere dei maggiori rappresentanti dell’arte italiana e internazionale e sperimentazioni di artisti emergenti. Oggi il MAMbo, che raccoglie l’eredità della collezione della GAM nella propria sede, si fa portavoce di una storia trentennale che ha saputo ripercorrere la storia dell’arte italiana e internazionale puntando alla ricerca della più innovativa avanguardia culturale. Negli anni il Museo, da semplice spazio espositivo, è diventato un polo artistico volto a sostenere le esperienze dell’arte contemporanea, affermandosi come principale centro del panorama artistico italiano.

La storia del MAMbo è solo uno dei molteplici casi di recupero industriale della città. 
Infatti, lo stabile si trova in quello che oggi è chiamato Distretto Culturale della Manifattura delle Arti, un’area originariamente riservata all’attività produttiva e commerciale, un hinterland industriale alle porte di Bologna. Il distretto, situato nel cuore del centro storico, si estende su 100 mila metri quadri ospitando attualmente la Cineteca di Bologna, costruita su un ex Manifattura di Tabacchi, la sede del Dipartimento di Filosofia e Comunicazione dell’Università, nato dalle ceneri della vecchia cartiera, il Dipartimento dell’Arti collocato negli spazi dell’ex Macello e il Cassero nei spazi dell’ ex Salara.
La realizzazione di un distretto culturale, considerato uno dei poli più ampi d’Europa, data l’estensione su cui si sviluppa, risponde a un forte bisogno di recupero sotto il profilo urbanistico di un quartiere centrale della città e di provvedere alla creazione di uno spazio in cui l’arte e la cultura attuino una reciproca sinergia collaborativa tra le varie istituzioni presenti. Vi è quindi la volontà di intrecciare una rete di connessioni tra centri dedicati alla cultura, capaci di rispondere alle esigenze della società contemporanea. 

Ed è da qui che nasce la Manifattura delle Arti a Bologna: un progetto per rigenerare il tessuto urbano recuperando e valorizzando una parte della città con attività artistiche, culturali e di ricerca.